música
Esnel Cruz, un trovador académico
En su primer concierto, Esnel demostró en Ciego de Ávila su versatilidad como músico y su buen gusto para componer canciones
Desde las seis cuerdas de la guitarra, tocadas como si fuera un bajo, Esnel Cruz Pérez (Vertientes, Camagüey, 1995) se expresa con una versatilidad agradable. Aunque su voz todavía no está todo lo entrenada que mereciera para asumir la defensa cabal de sus canciones, estas parecen defenderse por sí solas y resultan muy agradables al oído.
El hecho de que su primer concierto como trovador lo diera en la Casa del Joven Creador, sede de la Asociación Hermanos Saíz (AHS), no es fortuito. Desde hace rato esta organización de vanguardia husmea y encuentra verdaderos talentos en el mundo artístico de Ciego de Ávila.
Por ello, Esnel le confiesa a Invasor, minutos antes de su concierto, “estoy optando por el crecimiento a la AHS en este 2024. Creo que puedo tener algunas posibilidades de crecer en ella. Y eso sería de mucha importancia para mí”.
Licenciado en Música de la universidad de Camagüey, este joven músico imparte clases de contrabajo en la escuela elemental de arte Ñola Sahíg Sahínz de Ciego de Ávila. Y lo de la academia se le sale hasta por la manera de ejecutar la guitarra y de cubrir el cuerpo de la misma con una felpa para que el sudor no dañe su madera.
Luego de 46 minutos en escena y tras ocho canciones de su autoría, ya Esnel consigue cautivar al público asistente compuesto, generalmente, por jóvenes.
Las letras de sus composiciones giran en torno al amor, a la gratitud, y van colmadas de mensajes positivos, como en el caso de Juntos por siempre, donde el trovador se declara agradecido por la compañía de un ser que siempre está a su lado dándole aliento.
El agradecido, un tema comprometido con la existencia y de agradecimiento por las pequeñas cosas de la vida, hizo conmover al público por su candidez y el estribillo, bastante pegajoso.
Concebido como un espectáculo que incluye, a intervalos, temas movidos y otros para meditar, el concierto alcanza momentos climáticos con temas como Nadie mejor que yo, Con tu luz, y otros dedicados especialmente a la mujer.
A la mitad de su recital, el trovador agradeció a la organización de jóvenes artistas porque “cuanto otros cierran puertas, esta entidad las abre. Y estoy muy agradecido”.
En medio de la celebración de las jornadas por el 13 de agosto, la AHS en Ciego de Ávila continúa su trabajo de sacar lo mejor del arte juvenil en una ciudad que puja por la tradición.
«No pienso desvincularme nunca del magisterio»
No cualquiera puede llamarse Maestro. Muchos pueden enseñar, pero no todos pueden ser considerados Maestros; no con M mayúscula. En el guitarrista concertista Ramón Carlos Leyva Pérez conocí a un Maestro en todos los aspectos de la palabra. Todo amante del buen rock en Las Tunas y buena parte del país sigue cada concierto de su grupo Olimpo. Todo amante de la música clásica y la guitarra, sigue o debe seguir a su Orquesta de Guitarras “Isaac Nicola” y a él en su actuar como solista concertista. Este Maestro (quién un mes luego de esta entrevista recibiera la medalla por la Distinción por la Cultura Nacional) logra llevar sus carreras en paralelo e incluso alcanza a fusionarlas y siempre con la mejor calidad.
Conversar con él siempre es un lujo, una fuente de conocimiento y las horas se van volando. Por eso, me senté a conversar con él, para entender cómo era posible, y este es el resultado.
25 años de la Orquesta de Guitarras Isaac Nicola, una de las mejores de su tipo según voces autorizadas como el Maestro Leo Brouwer. ¿Qué experiencias has tenido con ella? ¿Por qué armar una orquesta de guitarras, un formato tan complejo, tan complicado? ¿Cuál es el incentivo principal?
El incentivo principal fue la Maestra Amira Moreno, quien fuera subdirectora de música en, aquel entonces, la Escuela Vocacional de Arte, hoy Escuela Profesional de Arte “El Cucalambé”. Ella me sugirió crear una orquesta de guitarras de niños. En esa época solo teníamos el nivel elemental en Las Tunas para tocar, principalmente, en las jornadas cucalambeanas de nuestra provincia. De ella fue la de la idea de creación de la orquesta.
Después tuve el apoyo del Maestro Louis Aguirre, quien fuera mi profesor en el ISA en las materias de armonía, audiciones analíticas, historia de la música. Él fue el director de la Orquesta sinfónica de Camagüey. Me dijo que me parara al frente a dirigirla, porque en esa época solo le montaba las piezas a los niños y ellos las tocaban prácticamente solos. Ya después, con la apertura del nivel medio profesional de guitarras, en el año 2000, se incrementa la matrícula y por tanto el nivel. Así su alcance es mayor. Empezaron a llegar alumnos de diferentes provincias del oriente y centro del país.
Las piezas que abordábamos eran más complejas, que requerían de un director. Por eso Louis Aguirre me dijo “tienes que pararte al frente a dirigir y yo te voy a dar un mínimo técnico, más o menos lo básico de dirección orquestal”.
Y de ahí hasta nuestros días.
Pienso que también tiene que ver con la cantidad de guitarristas que da nuestra provincia. Dice el maestro Jesús Ortega que aquí levantas una piedra y sale un guitarrista. Yo pienso que sí. Desde que estudié en el nivel elemental, por los 80 y después, al continuar con mi labor pedagógica, se dan con mucha facilidad los buenos guitarristas en Las Tunas. Pienso que crear la orquesta de guitarras ha sido una forma de aglutinar a varios intérpretes de este instrumento y, ¿por qué no? así tienen una fuente de empleo; que, quizás, en otro lugar, estarían haciendo cualquier otra cosa. Sin embargo, ahí los aglutinas y tienen, cada uno, un ingreso económico.
El trabajo, de por sí, a todos. Nos gusta ver el resultado final; el concierto como tal, después de varios ensayos y montaje de diferentes repertorios. También de arreglos que han enriquecido a nuestra orquesta. Porque, es bien sabido que los grandes compositores de la música universal, no escribieron para este tipo de formato. Es un formato novedoso. Los formatos para los que siempre se escribieron fueron de música de cámara, para instrumentos de cuerdas frotadas (violín, viola, cello, contrabajo), o la orquesta sinfónica o para solistas, para pianistas, conciertos para piano, etc.
Todo esto se lleva gracias a transcripciones para este tipo de formato de orquesta de guitarra, en su gran mayoría del Maestro Jesús Ortega. Yo también he incursionado con transcripciones desde la música universal. También la Maestra Elvira Skourtis con muchos arreglos, sobre todo, de la nueva trova llevados a la música de concierto y en específico, a la orquesta de guitarras.
Comenzó todo como una orquesta de estudiantes y ahora es una orquesta profesionalizada de primer nivel integrada por Maestros de guitarra, pero aún mantienes a estudiantes en ella. ¿por qué sigue esta vocación pedagógica?
Como te dije, comenzamos antes del 2000 con estudiantes de nivel elemental porque era lo único que teníamos. Con la apertura del nivel medio con las líneas de guitarra y tres. Ahí empieza a crecer la orquesta. Ya cuando estaba próxima la primera graduación del nivel medio profesional, en el año 2004, con seis estudiantes de guitarra.
Por aquella ocasión tuvimos la visita, en una asamblea de balance de la dirección provincial de cultura, del viceministro de cultura y presidente del Instituto Cubano de la Música, Abel Acosta. Allí la orquesta estuvo invitada y tocó. Luego de terminada la actividad, Abel Acosta preguntó (a los integrantes, no a mí) “¿qué piensan hacer ustedes cuando se gradúen?”.
Ricardo Mateo fue el que respondió “profesionalizar la orquesta”. Al poco tiempo, Abel Acosta envió una carta del instituto a la empresa de la música diciendo que tenían que comenzar a pagar a Ramón como director de la orquesta y, a medida que se fueran graduando los muchachos de guitarra, ir conformando la plantilla de la orquesta de guitarras.
Y así empezó. Mantuve la orquesta desde que eran estudiantes de nivel medio, tocando muchísimo. En el 2003 tuvimos la visita, en la jornada cucalambeana de ese año, del Maestro Leo Brouwer. Tuvimos la dicha, la suerte de dar un concierto completo para él, donde abordamos obras escritas por Leo Brouwer precisamente para este formato de orquesta de guitarras, como la obra Acerca del cielo, el aire y la sonrisa; una obra escrita para este formato. Lo interpretamos delante del compositor: nada más y nada menos que Leo Brouwer. Ahí está el video. El gesto que hace Leo al final, no necesita palabras.
En esa visita de Leo, estuvo la presencia de un gran amigo y periodista, Pastor Batista, que recogió, en síntesis, todo lo que Leo dijo “…es lo mejor que he escuchado en mucho tiempo. Algo realmente fantástico…” “…he visto guitarristas con instrumentos de diez mil dólares y ustedes, con esos instrumentos de menor calidad, logran un sonido superior…” Así salió publicado en el Periódico 26.
Fue un incentivo. Fue un antes y un después de la visita de Leo. Luego tuve la suerte de conocer personalmente al Maestro Jesús Ortega, por mediación del ya fallecido, excelente luthier Dioscórides Borges, que sí tenía una relación de amistad de años y le dijo que en Las Tunas había una orquesta de guitarras. Entonces, el Maestro Jesús Ortega le dijo “dile a Ramón que me llame”. Así comenzamos una amistad que devino luego en los festivales de orquestas de guitarras que se hicieron aquí; desgraciadamente, ya desaparecidos. Pero, bueno, se hicieron cuatro en los años 2007, 2009, 2011 y 2015. Fueron festivales que reunieron a todas las orquestas de guitarras del país: desde Guantánamo hasta Pinar del Río.
Mencionaste que la orquesta de guitarras Isaac Nicola comenzó tocando en la jornada Cucalambeana ¿Desde cuándo no los invitan a las jornadas Cucalambeanas?
Hace muchísimos años que no nos invitan y no sé por qué.
La orquesta estuvo en varios festivales nacionales de guitarras en Las Tunas, que, desgraciadamente ya no se hacen desde el 2015. ¿Cómo afecta este hecho a la guitarrística de la provincia o del país, ya sea como solista o como orquesta?
Afecta y mucho. Es duro decirlo, pero hay que decirlo así y el Maestro Ortega está claro de eso (y pienso que en las demás ocurra lo mismo). En esta provincia, alojamiento hay. Ahora con el hotel ferroviario y otros alojamientos, se puede resolver. Un evento de esta magnitud que lleva a la provincia a la mayor cantidad de guitarristas y orquestas de guitarras del país, se requería del apoyo gubernamental: del Partido y el Gobierno.
Si el Partido y el Gobierno no se involucraba en eso, era imposible. Porque uno, sí, uno puede organizar los conciertos en el Teatro Tunas, recién reparado. Ahí se podrían hacer todos los conciertos por la noche. Pero detrás de eso lleva todo un mecanismo de logística, como por ejemplo, el hospedaje y alimentación de tantas personas. Anteriormente se hacía con el apoyo del gobierno y el Partido: se alojaban en el Motel del Partido y en el Motel del Gobierno, por aquel entonces (que ahora pasó a la empresa de alojamiento, lo que ahora es el Club Familiar).
Además, por la lejanía, se requería de transporte y de combustible. Todos sabemos el problema que hay con el déficit de combustible en estos momentos, pero se puede lograr.
Pienso que lo que mayormente, para realizar el festival, lo que hace falta es voluntad política, de los máximos dirigentes de la provincia: que no la tienen. Por aquel entonces, en el 2007, estaba Jorge Cuevas, el primer secretario del partido aquí, que sí le interesaba la cultura. Por eso, aquel primer encuentro de orquesta de guitarra fluyó de maravillas. Mis maestros en el ISA, que eran directores de orquestas de guitarras de Camagüey, me dijeron “Ramón, te has mandado un evento de primera”.
Y todo era por el primer secretario del partido. Recuerdo las reuniones que hacíamos, el Maestro Jesús Ortega y yo, con cultura, para la organización del evento; se hacían en el Partido y la presidía Jorge Cuevas Ramos. El Maestro Ortega en una ocasión estaba preocupado por el hospedaje, el primer secretario le dijo “Maestro, lo suyo son los conciertos, el resto, los problemas de transporte, alimentación y hospedaje, déjemelo a mí”.
Entonces, cuando tienes a un dirigente que le interese la cultura, que apueste por la cultura, todo fluye. Porque ya de lo otro, el camino estaba recorrido: montar el repertorio, que las orquestas estuvieran bien, que hicieran un excelente papel y que le dieran un espectáculo de lujo al público tunero. Como de hecho lo fue: magistral.
Estuvimos hablando de Ramón como director de orquesta de guitarras, ahora hablemos de Ramón “Maestro”. ¿Qué tiempo llevas enseñando?
28 años en la enseñanza, desde el 1995.
¿Cuántas graduaciones has realizado?
Graduaciones, como tal, de profesionales, son desde el año 2004. Recuerda que desde el 1995 hasta el 2000 era solo nivel elemental. Es decir, el niño terminaba el estudio en el noveno grado y tenían que ingresar en el nivel medio profesional, que lo hacían en Camagüey y Holguín. Entonces, al graduarme del ISA en el año 2000, le dije a la directora de la escuela, Nuris Cantallops, que si no abría el nivel medio en Las Tunas, me iba de la provincia, porque era el único graduado del ISA en la especialidad de guitarra.
Éramos solo cuatro graduados de la universidad de las artes en ese momento: el profesor Dartmaud, de Amancio (graduado de flauta) pero él casi que residía en Camagüey; Perla, una profesora de solfeo en la escuela de superación; Lisandra Rodríguez, una guantanamera que vivía aquí (graduada de piano) y solo yo en la guitarra. Como se abre el nivel medio en el 2000, la primera graduación fue en el 2004; son 19 graduaciones hasta el momento.
Fundaste el nivel medio profesional en la EPA El Cucalambé
Conmigo abrimos el nivel medio profesional con la cátedra de guitarra y tres, con una matrícula de diez estudiantes: seis estudiantes de guitarra (tres de las Tunas, otro de Granma, uno de Holguín y uno de Ciego de Ávila) y cuatro de tres. Después el nivel medio se fue incrementando con otras líneas como piano, en algún momento hubo percusión (que ahora no hay), cello, violín, pero el nivel medio profesional comenzó con guitarra y tres.
¿Por qué enseñar?
Siempre me ha gustado enseñar. Me gusta transmitir el conocimiento y el ambiente que se crea en la Escuela Profesional de Arte El Cucalambé. Me siento bien ahí. Vivía y vivo para enseñar. Me pasaba hasta los domingos por la escuela, ya sea a dar clases o a ensayar con la orquesta de guitarras: ¡hasta los domingos! Nunca me desvinculado del magisterio. Siempre he estado ahí, ininterrumpidamente, desde 1995, cuando terminé del servicio militar y entré a la escuela como profesor. A su vez, estuve estudiando en el ISA por dirigido.
He tenido resultados que me llenan de satisfacción. Varios de mis alumnos han ganado concursos. El tope, para mí, fue Josué Rodríguez, ese alumno que llevé a un concurso de guitarras en La Habana y obtuvo el primer premio. Fue por una beca para España y reside por allá. He tenido otros alumnos brillantes que han hecho carrera en varios países; otros andan diseminados por todo el país; otros permanecen conmigo en la orquesta, en el grupo de rock también. Es decir, que ya he formado a unos cuántos.
Dicen que los maestros viven a través de sus alumnos, ¿crees eso también?
Pienso que sí. Ver que tú le coloques una guitarra en las manos, por primera vez, a un niño, verlo desarrollarse, poco a poco; ver como logran interpretar diferentes estilos, diferentes obras, llegar a verlos ser grandes concertistas y ganar concursos, es algo impresionante, la verdad.
Hablemos de Olimpo, de Ramón director de un grupo de rock. ¿Qué tiempo lleva Olimpo? ¿por qué el rock? ¿Por qué esta dualidad de música clásica, por un lado y el rock por el otro? Estos dos géneros tan aparentemente diferentes, opuestos y que quizás no lo sea.
Olimpo lleva 28 años, desde que salí del ejército en el 95, empezando a dar clases en la escuela, comencé con el grupo. Ya venía con intenciones de formarlo, pero por el servicio me fue imposible. El rock, porque, mira, la guitarra es primordial en un grupo de rock. Como pudiera decirte, los trompetistas, por ejemplo, ellos se gradúan tocando música clásica, pero tienen una tendencia a tocar el son cubano, la salsa, (estos formatos lo llevan) y el jazz.
Y tú ves que ellos se van por ahí, también por esa línea, esa variante que es válida, claro. A mí siempre me gustó la guitarra eléctrica desde pequeñito. Lo que pasa es que en la escuela de arte se estudia la guitarra clásica, que me vino muy bien, por supuesto. Siempre tuve la inquietud aquella de hacer rock, porque también hay grandes exponentes de la guitarra eléctrica que han hecho transcripciones de la música de concierto para este instrumento. Por eso estoy, quizás, llevando ahora las dos: aparte de tocar la guitarra eléctrica en el grupo de rock, también toco con ella la música de concierto.
Me divierto mucho. Siempre me gustó el grupo. Pasamos mucho trabajo, porque había que imponerse aquí. En los años noventa, con el boom de la salsa todos nos decían “eso no va a caminar aquí en Cuba”. Es cierto que es un género que viene de otro país, pero aquí, siempre que uno lo haga con seriedad y calidad, lo bueno se impone. Entonces, con mucha constancia hemos estado estos 28 años.
Al principio uno comienza con guitarras malas, con pedales criollos. Y poco a poco uno va mejorando, cambiando las guitarra, comprándose un pedal mejor, para que el acabado final del producto, de la música como tal, salga lo mejor posible. Estuvimos varios años en la ciudad de Trinidad, trabajando en el bar Yesterday hasta que llegó la pandemia. Por desgracia todo cerró y tuvimos que regresar a nuestra provincia.
Desde entonces hemos estado aquí. Felizmente tenemos una peña en nuestra sede de la UNEAC todos los meses. Y si aparece otro trabajo, estamos en la mejor disposición de hacerlo.
Viajaste a México recientemente. ¿Cuál fue el motivo?
Fui a participar en el 3er ciclo internacional de guitarra. Es un ciclo que lleva poco tiempo de creación, comenzó en septiembre del año pasado. Son dos ciclos al año. En el 2023 se hizo en marzo y en septiembre, que fue cuando participé. Principalmente, fui a eso. Con la ventaja de tener una visa por tres meses, ellos decidieron que permaneciera allá ese tiempo para organizar una orquesta de guitarras en aquella ciudad, en Hermosillo.
¿Primer cubano en esos ciclos internacional de guitarra?
No. Fui el segundo cubano. El primero fue Eliecer Travieso.
¿Dónde te presentaste allá en México?
Lo primero que hice fue un concierto, solo mío, en el 3er ciclo internacional de guitarras de Hermosillo. Creo que fue el 23 de septiembre. Fue mitad a guitarra clásica y mitad con la eléctrica, pero tocando música clásica llevados a la guitarra eléctrica. También toqué el 1ro de noviembre por las festividades del Día de los Muertos en la Secretaría de Educación y Cultura, que es como decir aquí el Ministerio de Educación, solo que allá están fusionado ambos.
Allí también di un concierto completo. Además de tocar en la radio de la Universidad de Sonora y en Radio Sonora. En ambas toqué en vivo. Allá se estila hacer entrevistas y que uno toque en vivo. También toqué en peñas de trovadores, como Jorge Trewuartha, un trovador muy importante en la ciudad de Hermosillo. Me invitaron y toqué en su espacio.
También interactué con tres grupos de rock de la ciudad en los diferentes bares que tocan. Donde quiera que llegaba me presentaban y me decían “suba para que toque con nosotros” y así lo hice, ya dentro del rock.
También fui invitado a la Universidad a participar en unos exámenes de guitarra que se estaban realizando.
Háblame del Día de los Muertos. Este es una celebración puramente mexicano, de su cultura. Ellos que apoyan y defienden tanto a su cultura y de repente aparece un cubano tocando música clásica en el Día de los Muertos. ¿Cómo fue la aceptación de tu actuación allá? ¿Cuáles fueron las impresiones al ver tocar, a un cubano, música clásica con una guitarra eléctrica? ¿Había alguien que hiciera lo mismo que tú?
No. Allí no vi ni escuché a nadie hacer lo mismo que yo; por lo menos, no con la guitarra eléctrica. La gente en México apoya muchísimo a su cultura. Uno causa una sensación, sin dudas. Quieren mucho al cubano como tal y a la cultura cubana, indiscutiblemente. Conocen más de la cultura cubana, incluso más que muchos de los cubanos. Pero es increíble también como defienden su cultura.
Y estoy hablando de todas las generaciones, no de aquella generación de más de cuarenta años. Los jóvenes, sí, pueden ir a una discoteca con música electrónica, pero también defienden su cultura.
Entonces, el Día de los Muertos es una celebración característica de allí. Aquel día, antes de tocar me entrevistaron, el presentador me preguntó si aquí en Cuba se celebraba ese día y le dije que no, claro. Era un escenario impresionante, gigantesco y todo el mundo con las caras pintadas con las famosas Catrinas. También habían exposiciones, en todo el recinto, con altares de diferentes familias que adoraban a sus muertos.
Aquellos que han visto la película Coco, es eso mismo, pero eran exposiciones de diferentes familias, que tenían los retratos de la persona fallecida y todo alumbrado. Y eso era un concurso, porque al final donde yo toqué, en el escenario, hicieron una premiación al mejor altar. Pero eso estaba lleno. Es impresionante lo grande que era. En el escenario central, donde yo toqué, había un piso, adelante, grandísimo, decorado en forma de calavera hecha con panes, con pan de muerto.
Este es un pan que se hace en México, yo lo probé, es muy rico, y se llama así, “pan de muerto”. Al final de esa fiesta, ese pan se repartió entre todas las personas que estaban allá.
Después que te fuiste, vi que te despidieron por Facebook y otras redes sociales, una despedida hermosa. ¿Quiénes fueron esos que te despidieron?
Básicamente, fueron las personas que me invitaron allá y que también formaron parte del proyecto de la orquesta de guitarras que comenzamos a armar. El caso de David Alcántara, que es todo un promotor de la música para guitarra allá en Hermosillo; de Benjamín, que es un gran conocedor de varias aristas de la música, como es el rock y el flamenco y que también se integró a la orquesta; y quien fuera mi alumno, Alejandro Ochoa de Miguel.
Por la asociación que ellos tienen, fueron los que me invitaron. Me sorprendió ver en facebook la carta que hicieron al irme, de agradecimiento por el trabajo que hice, modesto, en transmitir mis conocimientos en el poco tiempo que estuve.
A nombre de Multicultural Sonora / Estudio Margarita, Guitarras David Alcántara, el programa radiofónico Guitarra y Cultura de Radio Universidad, la Orquesta de Guitarras de Hermosillo y el Ciclo Internacional de Guitarra Hermosillo agradecemos la visita del maestro Ramon Carlos Leyva Perez, quien vino desde Las Tunas, Cuba a compartir su arte y transmitir sus enseñanzas en un intercambio cultural que nos ha enriquecido a todos nosotros.
…
Fue un honor, un orgullo y un placer para todos nosotros contar con su grata presencia y esperamos que esta sea apenas el primero de muchos proyectos por realizar.
Le deseamos un feliz viaje de regreso a su bello país de Cuba.
¡Hasta pronto!
“Por la difusión del arte guitarrístico.”
(fragmento del mensaje enviado en facebook)
Porque, a ver, formar una orquesta en dos meses y medio es bien difícil. Además, está la variedad entre los integrantes. Hay quienes ya están tocando la guitarra bien, estudian música en la universidad; y están los que ni siquiera sabían leer música. A esos que no sabían leer, tuve que darles clases extras, enseñarlos a leer las primeras lecciones en la guitarra y se pusieran a la par de los demás y armar ese proyecto. Espero que continúen. Piensan continuar ahora en enero y seguir trabajando. Así montamos varias obras.
¿Obras cubanas o universales?
Hay dos obras cubanas y dos universales. Las dos cubanas son la canción de cuna Drume negrita, de Eliseo Grenet, con arreglo de Leo Brouwer; y un arreglo de ese arreglo de un integrante de la orquesta, porque el de Leo es para una sola guitarra. Este muchacho, Carlos, guitarrista que estudia en la universidad de Sonora me lo pidió y le dije que sí, por hazlo. Él lo hizo, yo le hice algunos señalamientos, pero quedó perfecto. También montamos una pieza de Eduardo Martín, deLa suite Habana, Lugares comunes. Otra de folklore brasileño y la icónica canción de Eric Clapton Tears in heaven.
Por ahí lo dejé. Pienso seguir asesorándolos por whatsapp y quizás mandarle alguna otra pieza. La intención es seguir con la orquesta y presentarla en el próximo ciclo en marzo del 2024.
¿Cuáles son los planes y sueños futuros, cuál es la meta para Ramón: como Maestro, como solista concertista, director del grupo de rock y director de orquesta?
Con el grupo, seguir trabajando, traje mucho material, ideas nuevas para implementar aquí, como incluir teclados, incluirlos como máquinas y tocar encima de eso. Eso se estila mucho en México y allá pude ver cómo lo hacen y queda genial. Quiero seguir trabajando con Olimpo y si aparecen cosas buenas, bienvenidas sean.
Como concertista, seguir tocando donde sea que me programen y que me llamen. Pienso regresar a México. Estoy pensando en nuevo repertorio para montar; para tocar tanto aquí como allá, si vuelvo a ir al próximo ciclo internacional de allá, de Hermosillo.
Como profesor, seguir cosechando éxitos, que mis alumnos salgan adelante, que brillen todos sin excepción. Yo pienso seguir dando clases hasta que las fuerzas me den. Nunca pienso retirarme del magisterio. Con la orquesta, seguir montando repertorio. Tengo en planes, porque lo conversé con Giraldo García, (hermano mío. Estudiamos juntos desde el nivel elemental y que hoy por hoy es uno de los mejores ingenieros de sonido de este país; que ha trabajado con Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, el mismo Leo Brouwer) y él mismo me propuso hacer un disco con la orquesta. Espero que esto fructifique. Él me va a ayudar con el disco.
¿De quién depende ese sueño de hacer el disco?
De las instituciones nacionales: Centro nacional de música de concierto, el Instituto Cubano de la Música, el Ministerio de Cultura. Voy a hacer el proyecto. Este año cumplimos 25 años de haber fundado la orquesta y por eso él (Giraldo García) me habló de hacer el disco. Y, ojalá las condiciones económicas del país lo permita, poder realizar otra gira nacional, como la que hicimos en el 2013. Ojalá y podamos hacer esas dos cosas: el disco y la gira nacional. Por eso vamos a luchar.
¿Quiénes son Carlos, Diego y Verónica?
Son la razón de mi vida: los tres. Son mis hijos. Por suerte los tres estudian música. Los varones estudian guitarra y Verónica estudia piano. Estoy muy contento porque tienen condiciones. No porque el papá sea músico o sea profesor de la escuela, ellos están ahí. Ellos tienen muchas condiciones.
Yo me regocijo inmensamente cuando veo que Verónica ya toca piano, cuando se aprenden las cosas. Tienen gran facilidad. Buen, de hecho, los jóvenes tienen esa facilidad, ya nosotros vamos perdiendo facultades. Pero ellos, en corto tiempo montan un repertorio. Es lindo ver el progreso que van llevando. Es lindo ver, como el caso de Carlos la forma en que está tocando (que es el mayor de los tres, va para el pase de nivel, está en noveno grado, último año de nivel elemental).
Yo estaba en México cuando Carlos y Diego hicieron el examen de guitarra en este curso y pude verlos por videollamada cómo realizaban el examen y las lágrimas se me salían al verlos como han logrado llegar hasta ahí; y espero que sigan avanzando. Verónica también salió muy bien, con felicitaciones en su examen de piano.
Pienso que van a llegar lejos si siguen estudiando. Porque esta es una carrera de sacrificio (como todas las carreras, pienso). Hay que sacrificarse. Son muchas horas de estudio para lograr llegar a ser un gran músico, un gran guitarrista, un gran pianista. Hay que estudiar mucho, eso sí. Si uno tiene la buena guía de un Maestro (que espero aportarle todo lo que sé…) espero que puedan aprovechar esa oportunidad. Nada, mi deseo es que lleguen a ser grandes músicos.
De este modo es Ramón, el Maestro. Ramón Carlos Leyva Pérez es más que el miembro de la UNEAC, que el guitarrista de rock, el concertista o director de orquesta: es todo eso y más. Al igual que la orquesta de guitarras “Isaac Nicola” aglutina a los mejores guitarristas de la provincia, en él se aglutina todo en un aspecto en particular: él es el Maestro. Su frase, su convicción al decirme Nunca pienso retirarme del magisterio me lo dejó todo claro. El magisterio se encuentra en cada aspecto de su vida y sus acciones lo demuestran.
El Maestro, merecedor de la Distinción por la Cultura Nacional, que ha representado a Cuba y ha puesto a la cultura cubana por todo lo alto.
A escena el Metal HG
El XXV Festival Nacional de Rock Metal HG, que se realizó en Holguín del 6 al 8 de octubre, se consolida como uno de los principales eventos de su tipo en el país, al reunir en un mismo escenario conciertos protagonizados por reconocidas agrupaciones del género y un evento teórico.
El encuentro congrega a los fanáticos del género no solo de Holguín, sino de varias provincias cubanas que esperan cada año el Metal HG como un espacio necesario para promover el rock local.
Las bandas invitadas a esta edición se presentaron en el escenario del Gabinete Caligary, espacio protagonista de esta cita musical y del ambiente underground holguinero, entre ellas: Sex by Manipulation, de Camagüey; Switch, Black Bullet, Orphan Autopsi e Histéresis, de La Habana, mientras que de la provincia anfitriona, Butcher, Spiritu Libre, Other Brain y Complot.
Por su parte, la sede del Centro Provincial de Superación para la Cultura acogió los encuentros teóricos, organizados para pensar y dialogar sobre la escena rockera en el país. En este espacio se expusieron investigaciones relacionadas con el desarrollo del género en Cuba, entre ellas: “El movimiento del rock en Manzanillo como antecedente en la provincia de Granma”, por José Carlos Capote; “La memoria histórica de la escena Rock/Metal en Holguín”, por Ana M. Carralero; y “Cuba: medios de comunicación vs rock”, por Maikel Leyva.
Metal HG, que organiza la AHS en la provincia, tiene como objetivo difundir y promover la cultura musical relacionada con este gustado género, despertar la reflexión y valoración del rock al patrimonio cultural mundial, así como estimular el interés por conocer los principales exponentes y tendencias de una sonoridad que se distingue también en Cuba por sus aportes y riqueza.
FICGibara arriba a su XVII edición
El Festival Internacional de Cine de Gibara regresa a esta ciudad de Holguín del 1 al 5 de agosto, con un programa que refuerza su carácter de encuentro de las diferentes manifestaciones artísticas con el cine como eje central y celebrando los 20 años de su creación.
En conferencia de prensa realizada en la Villa Blanca se conoció que se entregará en esta XVII edición el Premio Lucía de Honor al actor, productor y realizador cubano Jorge Perugorría. Perugorría, quien a partir de esta 17 edición se convierte en su Presidente de Honor, estuvo al frente del evento de 2016 a 2022 y fue clave en su relanzamiento y reanimación, de manera significativa desde 2019, durante la crisis sanitaria por la Covid-19.
Los temas de género tendrán este año una presencia especial que trasciende la filmografía, pues se abordarán en el evento teórico, exposiciones, obras teatrales y otras actividades. La inauguración –comento Josué García, su productor– contará con la presencia de Toques de Río, y entre los músicos invitados estará Luis Barbería y Fígaro Jazz Club. La compañía infantil La Colmenita se presentará por primera vez en este municipio costero y realizará presentaciones en los barrios; y el Festival mantiene la costumbre de llegar con las diferentes personalidades invitadas a la comunidad, para compartir con los gibareños.
Además regresarán las proyecciones al aire libre y en dos tandas nocturnas se proyectarán películas que forman parte de la selección oficial, gracias a una pantalla gigante facilitada por la Agencia Suiza para el Desarrollo y la Cooperación, y el Festival de Cine de La Habana.
Asimismo, tras el cierre del resto de las actividades, se celebrarán cada noche espectáculos musicales, una cita habitual que mantendrá la interacción con los habitantes de Gibara y el público asistente, en el que se realizará un homenaje especial a la Nueva Trova.
En la conferencia, el director del Festival, Sergio Benvenuto, dialogó sobre las posibilidades de un evento que estimula la creación con bajos presupuestos, iniciativa de su fundador, el cineasta, productor y guionista cubano Humberto Solás, quien falleció en 2009.
Arrancó el hip hop a todo tren en Santa Clara
Vuelve a sentirse la música, la improvisación y la descarga en Santa Clara con el inicio, ayer jueves, de la octava edición del Festival de Hip Hop «2 de 10», que se desarrollará hasta el próximo domingo 25 de junio en varios escenarios de la capital provincial.
La Galería Pórtico de la Asociación Hermanos Saíz (AHS), institución organizadora del evento, fue el punto de partida de las actividades. Una pequeña exposición de cultivadores del género dedicados al diseño y a las artes plásticas, como Luis Miguel Pérez Ibáñez y Léster Cárdenas (Qco el Gancho), amenizada con la música de Dj Dark Marx, constituyó el preámbulo del festival, dedicado en esta ocasión a la figura femenina.
Luego, los participantes, provenientes de varias partes de país e invitadas de México, se reunieron en el concierto de inauguración realizado en el centro cultural Cubo de Luz, de Artex, en el que intervinieron Rafa de la Santa, Lou Muf, Briana Weapons, Dany the Killer, y las raperas mexicanas Rakeima, La Niña del Volcán y Cihua Coatl, entre otros.
La fiesta santaclareña del hip hop continuará este viernes con el taller Lab-oratoria Venga a nosotros el rap, impartido por Cihua Coatl, en la Sala Margarita Casallas, a las 2:00 de la tarde, y la presentación de la Freesh Battle League y Show Case, con Blacc Soul (Artemisa), Confidente (Isla de la Juventud) y Los Compinches, de Pinar del Río, en el centro cultural El Mejunje, a las 4:00 p. m.
Esta segunda jornada culminará con un concierto de Queen Anaya, de La Habana; 120, proveniente de Mayabeque, la mexicana Rakeima, y Akkila, de Santa Clara, en el patio de la Biblioteca Provincial Martí, desde las 9:00 de la noche, y a las 11:00 p. m., descarga y open mic en el Café Museo Revolución, con Dj Milton McDonald.
Los jóvenes coreógrafos se citan en Guantánamo
Guantánamo, por octava ocasión, acogerá a bailarines, teóricos y apasionados de la danza de toda Cuba, quienes se darán cita del 26 al 28 de mayo venideros en el Encuentro de Jóvenes Coreógrafos, que auspicia la Asociación Hermanos Saíz, de conjunto con la Dirección Provincial de Cultura y el Consejo de las Artes Escénicas.
El evento tendrá como eje central los retos y perspectivas de la coreografía en tiempos de migración, se propone asimismo intercambiar sobre los efectos del éxodo de artistas en la creación danzaría cubana actual y articular estrategias para asumir con resiliencia ese fenómeno, y rendirá además tributo al maestro Ladislao Navarro Tomasén por sus 45 años de vida artística y a la Compañía Danza Fragmentada, que cumple tres décadas de fundada.
El de “Jóvenes Coreógrafos” convidó en esta ocasión a importantes figuras y proyectos del país, entre los que vale resaltar bailarines de la compañía Rosario Cárdenas, el Conjunto Folclórico Nacional, Danza Espiral, estudiantes del Instituto Superior de Arte y la Escuela Profesional de Danza Alfredo Velázquez, además de las agrupaciones del patio, Danza Fragmentada, Danza Libre, Ballet Folclórico Babúl, el Proyecto K’merino y Bad Steps.
Momentos a significar resultarán la conferencia El cuerpo hoy entre el agotamiento y el fin de la representación, a cargo del catedrático Noel Bonilla Chongo; los talleres de danza contemporánea, cubanas de origen yoruba, bailes caribeños y otros estilos de la mano de importantes referentes de la manifestación como Leivan García, director general del Folklórico Nacional, la maestra Liliam Padrón, de Danza Espiral, y el propio maestro Ladislao Navarro.
Cada noche a las 8:30 p.m. en el Teatro Guaso acontecerán las presentaciones danzarias, y luego a las 10:00 p.m. se prevén las descargas musicales en la Casa del Joven Creador, con el espacio Mi Aldea, en el que convergerán talentos locales como el conjunto de Flautas Sonus Ensemble, el trovador Maikel Moral, la bolerista Paula Villalón e incluso el Changüí Guantánamo.
Durante el VIII Encuentro de Jóvenes Coreógrafos se realizarán procesos de desmontaje escénico para que los creadores muestren sus secretos e intencionalidades detrás de cada obra, una forma de fomentar la retroalimentación con los públicos de manera directa, en aras de seguir aportando al crecimiento de la manifestación y a la formación del gusto estético del espectador.
¡Ya estamos en Romerías!
Con un desfile desde el estadio Mayor General Calixto García Íñiguez hasta el Museo Provincial La Periquera, artistas, promotores, fundadores y participantes de varias latitudes volvieron hoy a la calles de Holguín para inaugurar las 30 Romerías de Mayo, el Festival Mundial de Juventudes Artísticas que reune varios eventos de diferentes manifestaciones hasta el próximo 8.
Acompañaron a los jóvenes creadores, en esta remembranza de la modernidad a las tradiciones, varios artistas de los participantes, entre ellos estudiantes de la Escuela Elemental de Arte Raúl Gómez García, la Banda Provincial de Conciertos, Morón Teatro, la Colonia China, el Teatro Guiñol de Holguín, Teatro Tuyo y la Compañía Folclórica La Campana, quienes demostraron la multiculturalidad de los pueblos y la unidad que los define en cada expresión del arte, con la convicción de mantener la pluralidad y dinamismo con que inició el evento en 1994.
El pasacalle dio paso a la gala inaugural, dirigida por Víctor Osorio, que destacó las tradiciones de los 30 años de Romerías de Mayo, que define cada año a Holguín como capital del arte joven. En esta ocasión se presentaron solistas del Teatro Lírico Rodrigo Prats, la Compañía de Danza Contemporánea Codanza, el colectivo escénico Palabras al Viento, el Mariachi Holguín, los cantautores Eduardo Sosa y David Blanco, y Axennar, la primera mujer DJ de la provincia.
Rodolfo Suárez Ochando, vicepresidente de la Asamblea Municipal del Poder Popular, destacó en sus palabras de bienvenida la relevancia de esta cita cultural que ha trascendido las fronteras de la provincia para alcanzar dimensiones internacionales. Mientras que Yasel Toledo Garnache, vicepresidente de la AHS, resaltó la esencia de esta cita multicultural, parte de la memoria histórica y espiritual de la nación, al refrendar el arte como salvaguarda de vida y esperanza. Llenemos esta ciudad, una vez más, de colores y anhelos, una urbe que enamora a quienes llegan cada mayo a sus plazas y parques, y que no deja de soñar con el futuro, agregó Yasel.
Con el impulso de los nuevos tiempos una multitud de jóvenes elevó el Hacha de Holguín, símbolo de la ciudad, hasta la cima de la Loma de la Cruz, dejando oficialmente inaugurada esta edición.
La fiesta aglutina a creadores de casi todo el país y otras partes del mundo con más de 16 eventos en diferentes plazas, parques, centros y comunidades, y un amplio programa que incluye conciertos, eventos teóricos, espacios de artes plásticas y escénicas, presentaciones de libros y homenajes. El Festival Mundial de Juventudes Artísticas es organizado por la AHS y se dedica este año al aniversario 170 del natalicio de José Martí, al IV Congreso de esta organización, y al pueblo y la cultura de México, manteniendo vivo el espíritu de que no hay hoy sin ayer.
Manuel Leandro: Confesiones de un Mortal
Hace dos años leí en el perfil de Facebook del cantautor holguinero Alito Abad unas palabras sobre los inicios de Manuel Leandro Sánchez (Manolito) en la música, una especie de pórtico y exhortación a escuchar una de sus canciones, de esas que se desgranaban entre trovadores en las tardes bohemias del parque Calixto García o en las peñas de la Casa de la Tova de Holguín: “Manu sabe como pocos de amor y de la ira que se esconde en un acorde, de lo mal que le quedaban esos 15 años para tanta belleza, lo avergonzábamos siempre presentándolo así, él reía con su timidez característica y subía a entregar el pecho”, dice.
Aferrándose a la belleza cruel de la poesía, con acordes de fondo, Manuel Leandro compone desde los 15 años, cuando empezó a interesarse por la música y la literatura. “A esa edad comencé a componer mis propias canciones y descubrí en la música una forma poderosa para expresar mis emociones, un lenguaje inmenso y emocionante”. A menudo, me comenta, le inspiraban cosas que había escrito anteriormente, o textos de otros autores que lo marcaban de algún modo. Componer es la forma que le permite conectar profundamente con los demás y, sobre todo, con él mismo.
De la escualidez, lo triste y lo conmovedor han salido sus canciones. Su delgada figura, con la guitarra en ristre, las gafas oscuras casi siempre y el cabello largo, no oculta poses. Es parte de su esencia, de la timidez sincera y de su fuerza poética, que como un dios iracundo lanza en cada verso, en cada acorde, desgarrado por motivos que le punzan y laceran… el Alma.
El año 2007 supuso un giro importante en su inicios al obtener el Premio “Del verso y de la miel” en el apartado de Trova, galardón que se entrega como parte del certamen organizado por la célula de la Asociación Hermanos Saíz en el municipio de Báguanos. “Fue un momento importante en mi carrera. Ser reconocido por este concurso significó mucho para mí en términos de validación de mi trabajo y fue una oportunidad para darme a conocer en la escena musical local. Además fue la gran motivación para seguir explorando y creciendo como compositor. Por otro lado recuerdo que con el dinero que otorgaba el premio grabé mi primer demo, con el que me presenté para entrar a la Asociación”, comenta.
A partir de 2008 el auge de la trova en Holguín es notorio, a este movimiento te vinculas junto a Alito Abad, Fernando Cabreja, Raúl Prieto, Edelis Loyola… ¿Qué supuso para ti formar parte de la canción de autor y la trova holguinera?
“Crecer durante esos años fue una experiencia muy enriquecedora. Me permitió conocer a otros artistas talentosos y apasionados por la música, nutrirme de ellos. Además, la trova y la canción de autor son géneros que se centran en la poesía y en la composición cuidadosa de letras, lo que me llevó a explorar más a fondo la escritura y a mejorar mi habilidad como compositor.
“Ser parte de este movimiento también me permitió acceder a un público maravilloso, primero en la ciudad de Holguín, y luego en el resto del país gracias al sistema de eventos y festivales que promueve la AHS.”
Muchos jóvenes y seguidores que escuchaban en las tardes de trova a estos cantautores quedaron prendados de sus versos, pues fueron ellos quienes marcaron momentos importantes en la vida del público y de la ciudad. La trova en Holguín fue, en esos años, un fuerte movimiento que agrupó a varias generaciones de artistas y poetas, y entonces la ciudad fue más bohemia y la trova fue una especie de reliquia, un objeto sagrado de su cultura.
Para no dejar morir ese empeño surge en 2016, por iniciativa del cantautor Raúl Prieto, la Feria de los Trovadores “avizorando en los músicos de su entorno un crecimiento orgánico que podía ser potenciado mediante la unidad”. Hasta hoy la Feria reúne a trovadores con diferentes estéticas, discursos y maneras de hacer.
¿Cuánto crees que aporta la Feria, como cantera de noveles músicos, al desarrollo del género?
“La Feria es lo que ha mantenido unidos a los cantautores holguineros. Es algo que debemos agradecerle a Raúl Prieto por soñarlo y desarrollarlo hasta hoy; y también, por supuesto, a las instituciones que han contribuido a que se sostenga cada mes. Espacios como este son una forma también de encontrar nuevas voces. Así como me sentí inspirado en mis inicios por esa magia, otros jóvenes descubren hoy la necesidad de compartir sus experiencias a través de la música gracias a estos encuentros, y por eso me siento agradecido de poder formar parte.”
Manolito se ha nutrido de lo mejor del arte y la música de sus coterráneos, asimismo ha dejado su huella en varios espacios, materiales audiovisuales y libros como su cancionero Del aire soy, publicado por Ediciones La Luz en 2018, sus peñas en la Casa de la Trova, el espacio “Quiero una canción” en las Romerías de Mayo, y su sitio más asiduo y cercano “El Club de los Necios”, en el café de la AHS holguinera, donde se presenta y comparte con su público.
“En el Club de los Necios no intento salvar el género musical como tal, sino al público que se reúne alrededor de él. La gente que asiste habitualmente allí, mayormente jóvenes, no tiene muchas opciones, ya sea por limitaciones económicas o por identidad estética. Hemos creado una especie de familia que intento proteger a pesar de todo. Esa es la razón fundamental por la que ha perdurado durante tantos años.”
Recientemente su disco Mortal, producido por el sello discográfico Bis Music, ha sido nominado al Premio Cubadisco 2023 en la categoría de Trova, junto a La ruta del esclavo, de Gerardo Alfonso, y Vida a vida, con varios intérpretes, producido por Nelson Vila.
¿A esta altura de tu carrera qué connotación adquiere la nominación de Mortal, tu primer álbum de estudio, al Cubadisco?
“Fue una gran sorpresa. Esta nominación representa el reconocimiento al esfuerzo y talento de cada uno de los artistas y miembros del equipo técnico que trabajó en su producción. Además, estoy feliz de compartir este certamen con artistas a los que admiro y respeto profundamente.
“Por otro lado, agradezco inmensamente esta oportunidad, porque gracias a esta nominación Mortal ha conseguido maximizar su alcance, y eso, a fin de cuentas, siempre fue el objetivo principal: que la música llegue a la vida de todos los que la necesiten.”
Este álbum, confiesa, no es más que el reflejo de una importante etapa de su vida, preguntas que quizás siguen sin respuestas. “En el álbum se reúnen nueve canciones que compuse en mis primeros años como cantautor. Grabarlas era una deuda pendiente conmigo y con las personas que comenzaron a escucharme en esa época. También por eso no fue difícil encontrar una coherencia conceptual; en general, todas giran en torno a las mismas preguntas o inquietudes que me acompañaron durante esos años”.
¿Cómo valoras la producción del disco cubano y cuánto crees que influye en la obra de un joven trovador?
“La realización de un disco es importantísima en la carrera de un músico. En primer lugar, porque brinda la posibilidad de compartir el resultado de su trabajo con un número inmenso de personas, y es un proceso increíble de aprendizaje y crecimiento. Construir un disco es una asignatura completamente nueva y compleja; es necesario observar tu propia obra desde muchos ángulos diferentes y eso hace que descubras un universo de posibilidades. También es una gran responsabilidad saber que cada decisión que tomes, cada acorde, estará ahí para siempre.
“En Cuba, a pesar de no contar con un gran mercado discográfico, producir música es tan importante como en cualquier otra parte del mundo, e incluso podría tener una importancia aún mayor debido a las limitaciones de movilidad que tenemos los músicos aquí.
“A pesar de todo, cada año se presentan discos increíbles y a medida que el acceso tecnológico se hace más potente y accesible, también aumenta la calidad de las producciones en términos técnicos, tanto en sellos oficiales como en el florecimiento creciente de productos independientes.»
Manuel Leandro Sánchez se aferra cada vez más a lo sincero, aunque eso implique arriesgarse, sumergirse en zonas dolorosas o incómodas de su propia conciencia, porque es ahí donde habita quizás una verdad un poco más limpia. En cada nueva canción intenta, dice, ir un poco más profundo en ese sentido, aunque no cree que lo consigue siempre. Es un camino de aprendizaje, no sólo como creador sino como ser humano, como mortal; y eso es en definitiva lo más importante. Por eso siente que su música se parece a él, cada vez más.
Bayamo vibró a ritmo de rock
Cuando el joven de 17 años bautizado como Elías, el Niño Prodigio, sacó las primeras notas de su guitarra eléctrica durante el primer concierto del Rock de la Loma, ya se advertía que las presentaciones volverían a retomar la genialidad después de tres años de impasse debido a la pandemia de la Covid-19.
En esta ocasión, del tres al cinco de marzo la Casa de Fiesta de Artex recibió a las bandas y frikis que durante tres días disfrutaron de los espectáculos, permeados de luces, humo y buena música rockera.
En la primera noche, la agrupación holguinera de rock electrónico Spíritu Libre interpretó canciones de su primer disco Fénix, mientras que la antológica Sex By Manipulation insufló la fuerza del heavy metal al público hasta convertir el espacio en un gran ruedo de slam.
Esto fue solo el principio para un segundo día permeado de espectacularidad y con un número mayor espectadores que disfrutó de la unión de Elías, el Niño Prodigio y Spíritu Libre. La banda Mestastasys, contagió a los presentes con su música, donde motivaron al crecimiento ante las dificultades.
La XVIII edición del único evento de promotores del metal trajo consigo cambios positivos, de gran beneficio los participantes.
“Se ha vuelto a retomar la verdadera esencia del Rock de la Loma, con inserciones de las exposiciones y los tattoo. Los eventos culturales se deben ajustar a los cambios en el país para sustentar su propio desarrollo, ir creciendo y ganando en importancia. La forma en que se está gestionando y pensando este evento es el camino a seguir”, comenta Robin Fajardo, vocalista de Metastasys.
Por su parte, Yasmani Gómez, miembro de la agrupación Other Brain, considera que esta edición ha sido más prometedora en cuanto a la promoción de las bandas en las redes sociales y medios de comunicación. “También es impresionante la logística y preparación, el local de los conciertos y el sonido”, añadió el vocalista.
El domingo trajo el culmen de los conciertos cuando las nuevas generaciones abrieron el concierto de clausura, con la agrupación manzanillera Eskortey. La necesidad de otra mentalidad sostuvo la holguinera Other Brain, en un cierre que abrió la esperanza hacia una nueva edición del Rock de la Loma, en el 2024 como Coloquio Internacional de Promotores del género.
La vuelta a los espacios abiertos y una mayor presencia de bandas internacionales y cubanas son algunas aspiraciones para la próxima edición. A pesar de las sombras propias de un programa de tan amplia magnitud son más luces de un evento que apuesta hace casi 20 años por la defensa de la diversidad y calidad artística del rock.
El ingeniero automático que arma canciones (+ Video)
Entre proyectos de desarrollo y soluciones tecnológicas transcurren los días laborales de Mario. Tiene 28 años y trabaja en la empresa Copextel, en La Habana. A ese sitio llegó hace cuatro primaveras y desde entonces no ha parado de crecer. Carga consigo conocimientos, oportunidades y experiencias diversas. Sin embargo, no está “completo” del todo.
Mientras gestiona el diseño, la programación, montaje y mantenimiento de sistemas automáticos para instalaciones de pequeña y gran magnitud, piensa en tener ese pequeño espacio de tiempo en el que pueda sacar acordes a su guitarra.
Mario Sergio Mora Rodríguez es ingeniero automático, pero también trovador.
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Mario aprendió a tocar la guitarra de manera autodidacta. Foto: Areté.
“Cuando era niño, mis padres no podían comprarme un instrumento musical. Mi mamá me confesó que ellos notaban mis aptitudes, pero no podían permitirse un gasto así. Tampoco me llevaron a una escuela de música.
“En el preuniversitario hice una gran amistad con un muchacho que tocaba la guitarra y tenía buen oído. Era capaz de acompañarme en la canción que yo quisiera. Con él aprendí acordes y otras cosas muy elementales.
“Empezando en la carrera de Automática, para sorpresa mía, también había un guitarrista en el aula. Hicimos dupla y participamos en festivales. En una semana de vacaciones me prestó la guitarra. Estuve tocando sin parar todo el tiempo, sentí que podía, logré tocar acordes básicos y cambiarlos fluidamente.
“Durante la universidad, vinieron otros amigos que me prestaban la guitarra para practicar, hasta que en cuarto año de la carrera, la novia de uno de ellos me vendió una vieja que tenía guardada en su casa. Le faltaban varias cuerdas. Ahí empezó la verdadera etapa de aprendizaje, de manera autodidacta por YouTube, libros y manuales. Al día de hoy sigo estudiando todo lo que puedo, porque se ha vuelto una necesidad”.
Mario Serio Mora es miembro de la Asociación Hermanos Saíz y se ha presentado en varios espacios. Foto: Areté.
Mario Sergio nació en la provincia de Villa Clara, pero fue en Ciego de Ávila donde creció y comenzó a jugar a ser músico desde temprano. Su madre le recuerda que, con apenas tres años, andaba con un palo de escoba cargado, a modo de guitarra, entonando una canción muy popular por aquellos días: Sentimientos ajenos, de David Torrens.
A Villa Clara regresó cuando decidió estudiar Ingeniería Automática en la Universidad Central Marta Abreu. Intercaló los aprendizajes con sesiones en el coro de la institución, con visitas a El Mejunje y el adictivo consumo de la Trovuntivitis. Para entonces, ya creaba sus propias composiciones, pero no se atrevía a mostrarlas.
Hasta que perdió el temor. Comenzó a tocarlas dondequiera que iba.
Luego le puso “seriedad” a la cuestión cuando decidió ingresar a la Asociación Hermanos Saíz tras mudarse a la capital del país. Aquí “se fueron abriendo puertas y encontré a personas que me han hecho parte de su espacio”, dice.
¿Cómo es el proceso para la creación de tus canciones?
−Por lo general, las canciones salen de un juego con la guitarra. Intento explorar con el ritmo y la armonía. Mi mente va creando melodías, a veces con letra y a veces con sonidos raros a los que después debo poner texto. Cuando aparecen ideas que pueden “llegar a algo”, las grabo en el celular, previendo que no pueda desarrollarlas en el momento.
“Algunas canciones han venido directamente con la melodía, sin usar el instrumento. Después se hace un acompañamiento y el resultado es distinto. Es bueno imponerse un cambio de método de vez en cuando. Unas salen de un tirón, otras me toman mucho tiempo y debates con mi esposa, que tiene puntos de vista que son muy importantes para mí, aunque la composición es algo que me gusta hacer en soledad.
“Tengo unas 20 canciones. No desarrollo ideas que sé que no van a ir a ningún lado. A veces guardo cosas que empezaron muy bien, pero no he sabido cómo darles continuidad. Intento buscar temáticas poco usuales o un enfoque distinto de las cosas. Lo que más disfruto −y siempre me sucede− es el momento en que termino la canción. Me entra una alegría enorme y la canto una y otra vez. La grabo y escucho muchas veces seguidas. Me da mucho placer”.
¿Cómo compaginas las dos facetas? Automática y música…
−Siento que la carrera y mi formación del preuniversitario me dieron muchas herramientas para buscar soluciones y enfrentar problemas de todo tipo. Mis métodos de estudio me han ayudado a aprender rápido elementos de música. He ido creando herramientas y mecanismos que me ayudan a componer, tener mi propia visión de los elementos artísticos que investigo y desarrollo.
“La carrera que estudié me gusta. Mi empleo me mantiene creativo y me da una formación integral. Trabajamos en equipo y hacemos una cadena de valor completa: desde el proyecto hasta la programación y la puesta en marcha de soluciones de automatización. Cuando me gradué, yo tenía claro que quería dedicarme a algo que demandara de mi creatividad.
“En Copextel, además, siempre tengo momentos para hacer algo con la guitarra. Ya no hay evento o espacio cultural, dentro de la empresa, para el que no me llamen. En estos tiempos en los que hay tanta emigración en Cuba, creo que es importante que las personas encuentren en el centro de trabajo otras actividades que aporten a su calidad de vida.
“Además, en la sala de casa está colgada una guitarra que toco todos los días a cualquier hora, por mero hábito. Es la manera de mantenerme siempre estudiando. Los fines de semana son para la música, siempre aparece algún espacio para tocar, interactuar con público, compartir con amigos y trovadores.
“Creo que el reto está en buscar los espacios para la creación musical, hacer de la casa un lugar para aislarme un poco y desarrollar ideas, dejar días para la lectura”.
Mario tiene la aspiración de continuar preparándose para desarrollar su carrera musical. Foto: Areté.
¿Qué es la música para ti?
−Aunque soy ateo, siento que la música es una especie de destino y que las cosas van a ir sucediendo. No sé si es optimismo o demasiada fe. No sé si llegue el momento de decidir entre una carrera o la otra cuando las cosas se pongan un poco más serias. Para mí, sería muy satisfactorio poder vivir de la música, para vivir para ella.
“El amor por la música es algo más fuerte que yo. Me ha terminado persiguiendo en todas las facetas de mi vida. Cuando he intentado apartarme de ella, siempre aparece algo o alguien que me anima a retomarla.
“Creo que te permite acercarte a las personas sin que se sientan invadidas. Te conecta fraternalmente con la gente sin barreras de idioma o cultura. Te permite ser escuchado, incluso, antes de comenzar a cantar”.
